¿Arte con virus o arte viral? Parte IX Arte viral

Al hablar de virus nos viene a la mente diversas enfermedades, pero si nos referimos a «viral» encontramos que también se aplica a cualquier cosa «que se propague como si fuera un virus» y el arte no escapa de ello. Entonces, al pensar en una obra que se haya hecho viral, de inmediato lo asociamos a las redes sociales y es que desde principios del siglo XXI el uso de internet es algo cotidiano y global. Además, solemos asociar este «arte viral» a una fama efímera, a un producto, campaña, franquicia, suceso o alguna expresión de tipo digital y esto no es necesariamente así.

Como ejemplo se me ocurre citar algunas de las obras del llamado arte efímero (happening, performance) y del arte conceptual, (body art, land art, graffiti) debido a que son obras que obedecen a un concepto de fugacidad en el tiempo, de no permanencia como objeto artístico material conservable y de carácter perecedero, transitorio. Este arte no pretende dejar una obra perdurable, o si la deja, es representativa del momento en que fue creada. Sin embargo muchos artistas de este género y sus obras han traspasado el tiempo, siguen vigentes y se han hecho virales.

Podemos observar que, aunque en su concepción son obras para ser disfrutadas y desechadas, la sociedad decidió:

Hombre desnudo. Banksy. Park Street, Bristol, en la pared de un centro de planificación familiar.

1.-Respetar su espacio por lo que quedaron plasmadas en el lugar de su ejecución.

Según una consulta popular, el ayuntamiento de Bristol ha decidido que esta imagen de Banksy no será borrada.

Happening, colectivo búlgaro Alma Alter.

2.-Guardarlas en archivo.

Internet no borra, así se eternizan a través de sus imágenes almacenadas en redes y wiki.

Plano de Theater piece Nº1, de John Cage (1952) Dibujada para William Fetterman en 1989.

3.-Re-interpretar, partiendo de la idea original. 

Por ejemplo El ICA (Institute of contemporary Art) ha invitado a cinco artistas con sede en Boston a reinventar Theater piece Nº1 y propone, para el mes de octubre 2020, una serie de acciones que tendrán lugar en las galerías del ICA y en todo el museo. Theatre Piece es una composición indeterminada sobre una performance.

Ahora bien, por quedar plasmadas en el lugar de su ejecución, guardadas en archivo o ser re-interpretadas partiendo de la idea original, ¿dejan de ser arte efímero o conceptual?

Para responder a esta pregunta comencemos con el Performance. Tiene su origen en la década de los 50 y es una manifestación artística múltiple que pretende la participación espontánea del público, el cual abandona su posición de sujeto pasivo y se libera a través de la expresión emotiva y la representación colectiva, por lo tanto es efímero y suele presentarse en lugares públicos irrumpiendo en la cotidianeidad.

Los analistas y teóricos coinciden al fijar sus orígenes en las investigaciones de una suma de artistas y toman como punto de partida la obra Theater piece Nº1, concierto promovido en 1952 por John Cage en el Black Mountain College, con la participación del pintor Robert Rauschenberg, el coreógrafo Merce Cunningham, el poeta Charles Olsen y el pianista David Tudor.​

John Cage es pionero de la música electrónica, música aleatoria y del uso no estándar de instrumentos musicales. También se destacó en los géneros de música clásica, experimental, música concreta, vanguardista, performance, música académica del siglo XX y ópera.

John Cage.

El propio Cage definió el suceso como reunión de «acontecimientos teatrales sin guion o trama» Toda la música de Cage desde 1951 fue compuesta utilizando procedimientos de azar, habitualmente del I Ching. Los estudios de Cage son extremadamente difíciles de interpretar.

El happening está ligado al Performance y en general al arte conceptual. Se presenta en vivo e involucra cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, presencia del artista y su relación/reacción del público. Las acciones se desarrollan en cualquier espacio, lugar y durante cualquier período de tiempo.​ Su objetivo es generar una reacción con la improvisación y la estética. La temática suele estar ligada a procesos vitales del propio artista, a la denuncia o la crítica social.

El 19 de octubre de 2014, Piotr Pavlenski se seccionó el lóbulo de la oreja con un cuchillo de chef mientras permanecía sentado desnudo sobre la azotea del infame Centro Serbski de Moscú en protesta contra el abuso de la psiquiatría como castigo para los disidentes políticos en Rusia.
“La puerta en llamas de Lubianka” Según el galerista de arte Marat Gelman, esta acción es una muestra del “simbolismo obvio” de Pavlenski: “La puerta de Lubianka es la puerta de infierno, la entrada al mundo del mal absoluto. Y frente a las llamas infernales se encuentra un artista solitario, esperando a ser capturado…”

El Grafiti es una modalidad de pintura libre destacada por su ilegalidad, generalmente se realiza en espacios urbanos. Su origen se remonta al Imperio Romano, que tenían la costumbre de escribir sobre muros y columnas consignas políticas, insultos, declaraciones de amor, etc. junto a un amplio repertorio de caricaturas y dibujos. El ichtus fue empleado por los primeros cristianos como un símbolo secreto y el uso de la sigla (IXΘΥΣ: I=Jesús; X=Christos; Θ=de Dios; Y = Hijo; Σ=Salvador) es una forma bastante contemporánea de comunicarse.

El ichtus o ichthys (en griego ΙΧΘΥΣ ijcís “pez“) es un símbolo que consiste en dos arcos que se interceptan de forma que parece el perfil de un pez a modo de una vesica piscis horizontal, (dos círculos del mismo radio que se cruzan en un punto de manera que el centro de cada círculo está en la circunferencia del otro. También se denomina mandorla, que significa “almendra” en italiano)

IXΘΥΣ: Iota I=Jesús, Ji X=Christos, Theta Θ=Theou (de Dios), Ípsilon Υ=Uios (Hijo), Sigma Σ=Soter (Salvador)

El arte urbano engloba tanto al grafiti como a otras diversas formas de expresión artística callejera. Ambos pretenden llamar la atención sobre cosas puntuales, pero se diferencian en que el arte urbano, por lo general, trata un mensaje universal y el grafiti es más local. Algunos ven al grafiti como una manifestación de una subcultura.

Arte Urbano o Callejero
Kilroy Was Here

El origen de este grafiti (Kilroy Was Here) se atribuye a Jim Kilroy quien, durante la segunda guerra mundial, trabajó en unos astilleros, revisando los remaches de las planchas de acero de barcos. Cuando terminaba, les hacía una señal con tiza para diferenciarlas de las que no había comprobado. Sin embargo, se dio cuenta que a veces le devolvían planchas ya revisadas, (la marca de tiza se había borrado). Entonces escribió con pintura la frase «Kilroy Was Here». Al terminar de construirse un buque la pintura perduró en algunas planchas y esos barcos se usaron para transportar a las tropas. De esa manera, el mensaje llegó a miles de soldados.

Después de la guerra, el nombre «Kilroy» fue sinónimo de grafiti, se hizo viral. Llegó aparecer sobre las cubiertas de cuadernos, en franelas, bolsos, muchas veces sin las palabras «Kilroy was here», tan solo mostrando una cabeza y unas manos que se asoman sobre el borde de una valla (Esta figura es conocida como Chad en otros países)

¿El hecho de que estas obras se hicieron virales implica que dejan de ser arte efímero o conceptual? No, ya que la esencia de su mensaje es el mismo, pero sí cambia la participación del artista quien se distancia de la obra que se «reproduce» casi con vida propia y la relación/reacción del público con él que no es inmediata y en cierto punto se pierde su autoría.

Un artista viral que merece un aparte es Banksy (seudónimo) Lo único que se conoce de él es que estuvo en el documental llamado “Salida por la tienda de regalos“. Según un estudio de la Universidad Queen Mary de Londres, publicado en marzo de 2016, Banksy podría ser Robin Gunningham, residente de Bristol.​ Su obra se ha hecho viral por sí misma. Su técnica de estarcido es similar a la de Blek le Rat y a la de los miembros de la banda de anarco-punk Crass.

Obra de Banksy en el barco de entretenimiento social Thekla. Bristol, Inglaterra. 

Banksy reconoció la influencia de Blek le Rat (padre del Stencil Art y uno de los fundadores del Urban Art)

“Cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes” dice Banksy.​ Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.  

“Portrait” de Blek le Rat (Xavier Prou, París, 1951)

Manifiesto de Blek Le Rat: «Intento exponer las mejores cosas de la vida mediante inesperadas imágenes que distraen y deleitan a los peatones, sacándolos de sus preocupaciones cotidianas. A pesar de las represalias por parte de la policía en contra del graffiti, continuaré asaltando las calles en la oscuridad, ya que para mí, llevar el trabajo directamente a las calles es parte primordial de la evolución del arte…» BLEK Le Rat.

Ahora bien hay otros artistas de otros géneros que han logrado hacerse virales, bien por el tema o por la calidad de sus mensajes/propuestas. Lo cierto es que sus trabajos tienen muchos seguidores. Uno de estos es Simon Tofield, o mejor conocido como Simon’s Cat.

Simon’s Cat es una serie animada ideada y realizada por el animador inglés Simon Tofield. Tiene como protagonista un travieso gato doméstico. Hizo su primera aparición en internet en Cat Man Do. Los episodios de Simon’s Cat están disponibles en YouTube, han recibido más de 20 millones de visitas y unidos todos los episodios, han superado los cien millones de vistas. Tofield vive en Bedfordshire, Inglaterra, con cuatro gatos​ que sin duda le sirven de inspiración.

Portada del libro Simon’s Cat

Otro ejemplo de artista/obra viral, es el trabajo del cantante y rapero surcoreano PSY. Su canción «Gangnam Style», fue el video más visto de 2012. Con un promedio de 19 millones de reproducciones cada 24 horas, lo que supone casi 116 reproducciones por segundo solo en YouTube. En 2013 alcanzó dos mil millones de reproducciones.

El artista PSY interpretando «Gangnam Style» en el festival Future Music 2013 en Australia.

El estribillo de la canción “Oppa Gangnam style“, se traduce como “El hermano tiene estilo Gangnam” y​ fue incorporado en el Libro de Citas de Yale como una de las frases más famosas de 2012.

También hay otras expresiones del arte que se han hecho virales, pero se han olvidado sus orígenes. Hoy en día son casi imperceptibles reconocerlas como expresiones artísticas por lo cotidiano de su mensaje. Me refiero al arte de las Drag queen y al fenómeno de los maquillajes y a los rasgos exagerados que podemos ver en nuestro entorno.

En sus inicios el término Drag queen describe a una persona que se viste a la usanza del estereotipo exagerando los rasgos, hoy en día la propuesta va más allá de esto. Evidencian las nociones tradicionales de la identidad y los roles de género. Es, por lo tanto, una artista con una propuesta y un mensaje claro.

El legado de Divine es inspiración para la nueva generación de drag queens. Su figura inspiró al personaje de Úrsula, para la película La sirenita (1989).
Harris Glenn Milstead, actor y  cantante estadounidense, conocido como Divine

La influencia de las Drag queen, en lo que se refiere a la estética actual, es tan viral que ya se asume anónima. Es común ver mujeres imitando, conscientes o no, sus siluetas y maquillajes.

Sin embargo no todos los que suben sus trabajos a YouTube o a cualquier otra red social logran hacer su contenido viral, aunque sí hay quien saltó a la fama gracias a sus videos, como por ejemplo, Justin Bieber. Otros, si bien logran ser virales y famosos no podríamos decir que son artistas (no hay mensaje ni propuesta), ya que venden un producto en forma de frases, imágenes, memes o noticias del día a día…. entre otras muchas formas de contenido y hay quienes los siguen, quizás por falta de decisión o de valor para pensar (o divertirse) sin ayuda ajena… si se me permite parafrasear a Kant.

Para concluir con esta serie de arte con virus o arte viral, vuelvo a la premisa de mis reflexiones: el arte refleja, transmite o advierte y creo que en la actualidad el artista tiene la opción de seguir sus propios pasos, de plantear su propuesta, de re-inventarla, de equivocarse y volver a empezar. Son tiempos de cambios constantes… para volver al mismo punto.

En la introducción de esta serie me planteaba que en la práctica del día a día solo se ha cambiado de forma, pero no de fondo. En lo que me dio por llamar neo (nuevo) gatopardismo hay una asimilación que permite mantener las estructuras. Luego del recorrido por el tiempo de la humanidad, sus diferentes enfermedades, virus, pandemias y la actitud del artista ante esto, se nota el paso de los años. Efectivamente la tecnología ha cambiado, pero continúan vigentes valores, problemas y convivencias que se creyeron superadas y en los que paradójicamente nos podemos reflejar, cual espejo. Se nos devuelve la imagen de estos antiguos problemas y soluciones ya probadas sin mucho éxito. Con respecto al arte, ha variado mucho: Casi cualquier cosa es arte, casi cualquier cosa es viral y casi cualquier cosa es rentable. Sin embargo, la vanguardia actual aun bebe de las propuestas de mediados del siglo pasado.

«Si queremos que todo siga como está, necesitamos que todo cambie» (frase del libro El Gatopardo, Novela de Giuseppe Tomasi di Lampedusa) 

Con respecta a las preguntas sobre los artistas y sus obras: ¿Representaron los efectos de estos virus en sus obras? o ¿dejaron al arte a un lado mientras atendían los efectos de estos virus…? Después de haber terminado, he aquí un resumen a manera de cuadro:

¿Arte con virus o arte viral? (Introducción)

ÉpocaEpidemias/virusTipo de arte
PrehistoriaVirus originados por la agricultura y la ganaderíaUtilitario, carácter mágico-religioso. Refleja
EgiptoPolioHierático, funerario, temas cotidianos.
Refleja
MesopotamiaPolioRefleja poder
GreciaPlaga de AtenasSe profesionaliza el oficio de artista. Refleja, transmite
RomaPeste antoninaPráctico, útil. Refleja la grandeza de Roma, transmite
Edad MediaPeste negraReligioso, cristiano. Refleja, transmite y advierte (Carmina Burana)
Edad ModernaPeste negra, viruela, cólera, lepra, sífilis y el sudor inglésTransmite, refleja o advierte sin importar el mecena que avale al artista.
Edad ContemporáneaViruela, cólera, lepra, sífilis
fiebre amarilla, tifus
poliomielitis, tuberculosis,
malaria o paludismo,
gripe española, sida (VIH),
gripe aviaria o gripe aviar,
gripe asiática o gripe de
Hong Kong y por último el coronavirus (Covid-19)
Refleja, transmite, advierte y se hace viral

Gracias por llegar hasta aquí. 🐾

Fin

2 comentarios

  1. Que buen contenido, es bueno conocer las nuevas tendencias del arte y de los conceptos. Respecto a la pregunta final y considerando que aqui se define la transmisión de un mensaje como aspecto importante del arte, durante la cuarentena y aún en pandemia es el mejor momento para aprovechar y mejorar destrezas

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